10 Museum Yang Paling Menakutkan di Dunia

Museum-museum dibawah ini memang sangat menyeramkan dan menakutkan. Inilah 10 Museum Yang Paling Menakutkan di Dunia yang berhasil dirangkum team duniakita.

10. House on the Rock

Museum ini awalnya dirancang untuk mengumpulkan benda apa saja, House on the Rock berlokasi di Deer Shelter Rock, Wisconsin yang pertama kali dibuka pada tahun 1959.

READ MORE - 10 Museum Yang Paling Menakutkan di Dunia

Mainkan Lagu Ave Maria Pakai Gergaji

Benar2 unik...
Austin Blacburn, seorang pemusik ini memainkan lagu Ave Maria memakai sebuah alat gergaji..

READ MORE - Mainkan Lagu Ave Maria Pakai Gergaji

Pesona Susan Boyle

Pengamat musik ternama, Simon Cowell, dan banyak penonton lainnya boleh saja tertawa, meremehkan, dan mencemooh. Itulah agaknya yang terjadi ketika Susan Boyle tampil di atas panggung acara Britain’s Got Talent. Ini adalah ajang pencarian bakat penyanyi versi Inggris, Sabtu (11/4), yang ditayangkan televisi Inggris.

READ MORE - Pesona Susan Boyle

Asal Mula Musik Jazz

 

Banyak yang beranggapan bahwa musik jazz adalah musiknya kaum elite dan mapan. Namun bila kita menengok ke akar jazz boleh dibilang justru bertolak belakang. Jazz adalah sebuah seni ekspresi dalam bentuk musik. Jazz disebut sebagai musik fundamental dalam hidup manusia dan cara mengevaluasi nilai-nilai tradisionalnya. Tradisi jazz berkembang dari gaya hidup masyarakat kulit hitam di Amerika yang tertindas. Awalnya, pengaruh dari tribal drums dan musik gospel, blues serta field hollers (teriakan peladang). Proses kelahirannya telah memperlihatkan bahwa musik jazz sangat berhubungan dengan pertahanan hidup dan ekspresi kehidupan manusia.

READ MORE - Asal Mula Musik Jazz

Top 10 Greatest Violinists of all Time

10 David Oistrakh

He lived from 1908 to 1974, and, because he was born the same year that #2 died, he was referred to as his reincarnation. He was Russian and became world famous for his recordings and recitals of Tchaikovsky’s Concerto, as well the standards by Beethoven, Brahms and Mendelssohn. He was friends with several prominent Russian composers, including Prokofiev, Shostakovich, Khachaturian and Glazunov, all of whom wrote works dedicated to him, and which he premiered.
Tchaikovsky’s Concerto was his favorite work, and some say he made the best recordings of it, which is a huge feather in any violinist’s cap. He described the last movement of it as the violin equivalent of running a 3-minute mile.

9 Fritz Kreisler

One of the first true masters of the pre-recording age to make his mark in the sound studio. Kreisler lived from 1875 to 1962, and was known for a very polite, charming tone quality, not bombastic or forceful, but technically perfect, as if he were asking the audience’s permission to show off now and then. He is typically contrasted with #5, whose technical abilities were just as perfect, but whose tone was much more aggressive, even in slow passages.
Kreisler was one of the few classical musicians to die wealthy back then, having been struck by cars twice, once in 1941, which fractured his skull and put him in a week-long coma, and again a few months before his death, a traffic accident which left him blind and deaf. He was known to be supremely polite and gentlemanly to everyone he met, and this has been noted as an abiding quality of his playing. He wrote what is, today, the most popular cadenza for Beethoven’s Violin Concerto in D.

8 Mischa Elman

His admirers and the virtuosos today consider him to have been one of the greatest in the age of recording, along with #5. He had a pristine technique and a tone quality that #5 described as “a photograph of my painting.” The emotion he could express via his instrument was rich, full of passion and yet very refined, though lacking, perhaps, a little of the intensity and verve #5 expressed.
He lived from 1891 to 1967, and #2 recommended him for the Imperial Academy of Music in Odessa, Ukraine. He could already play, at 11 years old, some of the most difficult pieces ever written, including Wieniawski’s 2nd Concerto. He was quite short, at about 5 feet 3 inches, and, along with his wide fingers, this hindered his ability to hit the very high notes. He practiced for years until he perfected his technique, and would bend over a bit during performances in order to play properly. It worked for him, and he used to say that he didn’t care what he looked like while he played.
He is also the progenitor of the famous joke, when walking home one evening in New York City, from a poorly received recital, he was stopped by a passerby who intended to go to his performance, but was late. The passerby asked, “How do you get to Carnegie Hall?” Elman winced and said, “Practice, practice, practice!” as he walked on.

7 Giuseppe Tartini

Tartini lived from 1692 to 1770, and his origins on the violin are fun. His parents wanted him to be a friar, since that was one of the few careers that would guarantee he didn’t starve. All monasteries taught basic music as part of their schooling. He took up fencing at the University of Padua, where he studied law, and after his father died, he married Elisabetta Premazone, whom his father would not have liked because she was of a lower class. But she was a mistress of Cardinal Giorgio Cornaro (there was more of a Cardinal in the bird than in him), who promptly accused Tartini of making off with her. So he fled, rather than be caught and excommunicated or killed.
He went to the monastery of St. Francis of Assisi, and began studying the violin. He had a lot of talent for it, and the story goes that when he considered himself a master, he went to a performance of Francesco Veracini, whose playing made Tartini flee to Ancona and practice a lot more. By 1821, he was the primary performance rival of #3, famous all over Europe for his impeccable trills and tremolos.
His most famous work makes extensive use of trills: the Devil’s Trill Sonata for solo violin (played above by notable extra Itzhak Perlman), in which the performer must play rapid, grueling double-stop trills. Many professionals today cannot handle it. Some say that Tartini heard the devil play it in a dream, and his composition the next morning was terrible compared to what he remembered.

6 Ole Bull

He is not an American Indian, as his name seems to suggest in English. He was Norwegian, and lived from 1810 to 1880, during which time he toured Europe concertizing with the likes of Franz Liszt, Clara (and Robert) Schumann, Felix Mendelssohn and others.
Back then, the public didn’t have TV to distract them until 7:00 in the evening, so they showed up at noon, with their lunch and supper, and the recitalists had to wow them for up to 6 hours. No one person can be expected to do this, of course, so various great performers would collaborate when passing by each other’s home towns.
Robert Schumann considered Bull to have an uncommon clarity and precision in his technique, to the point that, no matter how fast the music got, Bull never missed a note, and you could hear them all just fine. Clara loved him more than any other violinist she heard in person. Not an easy virtuoso to outmatch, but as so often happens when ranking great performers before the recording age, at some point the rankings begin to split hairs. That is the case, save one or two entries, with this list.

5 Jascha Heifetz

By far the greatest performer of the modern recording age. Born in 1901, died in 1987, he is one of the very few, if not the only one of, players who can hit the high note at the end of Tchaikovsky’s Violin Concerto and give it vibrato in the fifth of a second or so of its playing time.
He became legendary with his recording of Zigeunerweisen, written by another performer on this list, which showcases almost every technique a violinist par excellence should have. It became Heifetz’s signature piece. After a slow segment, the fast part incorporates hair-raising pizzicato and bowing passages at the same time. Heifetz was more than equal to the task. His admirers have all expressed wonderment at his marvelous tone quality, however difficult the piece of music he was performing.

4 Arcangelo Corelli

He was born in 1653, and his spot on this list may make you ask, “How do you know how well he played?” Well, even today, almost every violinist can trace his or her performance training back to Corelli. The techniques you hear performers using, fingering, bowing form and posture are all thanks to Corelli. He was famous throughout western Europe in his own day as a performer of the highest order.
He did not like the idea of playing very high notes. Not to say he couldn’t, but he thought it always sounded screeching, however well anyone played. His own music almost never goes above D on the highest string. The story goes that Handel wrote an A above this in one of his oratorios, which the visiting Corelli refused to play. He thought it sounded terrible. Handel, an organist, proceeded to play it on his own violin, and Corelli was offended. “I didn’t say, Herr Handel, that I couldn’t play it. I said it shouldn’t be played.” Handel himself remarked at the “voracity” with which Corelli could run through scales, faster than anyone else he had heard, and strike the perfect leaps, from octaves to 12ths, 15ths and more.

3 Antonio Vivaldi

Vivaldi was 25 years Corelli’s junior, and became his primary virtuoso rival during Corelli’s latter years. Vivaldi’s music faded into obscurity after his death, until Fritz Kreisler and Alfred Casella revived it in the 20th Century. Today he is one of the three most popular Baroque composers, with Bach and Handel. He seems to have had asthma, and this prevented him from learning wind instruments, but not the violin, and by his twenties, he had become well known in much of Italy and France as a virtuoso of nearly unrivaled technical artistry.
Even without that virtuosity, he would have landed a spot on this list for introducing the idea of “tone painting,” or representing images through music. This he did marvelously with his “Four Seasons,” which are four concerti intended to depict, in four movement each, the appearances of nature throughout the year. With the solo violin, which he played in their premieres, he depicts birds singing, lightning and thunderstorms, frozen lakes, etc. The technical demands in these pieces are quite high.

2 Pablo de Sarasate

George Bernard Shaw once said of Sarasate that “he left criticism gasping for miles behind him.” He lived from 1844 to 1908, and we should consider ourselves supremely lucky to have some of his wax cylinder recordings, from around 1904, including his own piece, Zigeunerweisen (recording above). The recording capabilities back then were terrible for anything other than percussive sounds, like a piano or drums, unless the sound was directed straight into the megaphone. A violin can do neither very well, and it is difficult to hear all the passages of the piece, but they are there, and he doesn’t miss a single note.
His technique is actually a little more crystal clear than Heifetz’s, without so much as one fuzzy or scraped note, but with all the emotion and speed up to par and brilliant. Any violin virtuoso is inevitably compared with the next entry, and almost always somewhat unfavorably, but Sarasate was one of the rare exceptions whom people can actually hear perform.

1 Niccolo Paganini

They say he sold his soul to the Devil to be able to play so well. Some like to say that the Devil was sure to have been in attendance at every one of his recitals. On a list of violin virtuosity, no one is allowed to top Paganini. Robert Schumann once said, “Who is most responsible for the foundation of Christianity? Paganini must stand on the same rung of the violin’s ladder.”
He lived from 1782 to 1840, and traveled Europe leaving the public in abject awe after every recital. He practiced 10 hours a day, by his own admission, and, coupled with his talent, he had no choice but to become as fluent on the violin as he was in Italian.
He became rich by his performances, of course, but did not have a special violin made for him. In the field of violins, the extremely rich are able to acquire an instrument made by the most famous two luthiers in history: Antonio Stradivari and Giuseppe Guarneri.
Paganini owned several fine instruments, but his favorite, and the one on which he played for most of his career, was made by Guarneri, in 1743. Paganini endearingly referred to it as his “cannon violin,” and the nickname has stuck. It is Il Cannone Guarnerius, and is housed in the town hall of Genoa, Italy, Paganini’s home town, and is taken out now and then to be played on by the best in the world.
Il Cannone has an extremely shallow bridge under the strings, enabling the player to play 4 notes at once with ease, but at the price of an extreme demand for technical precision. Paganini never missed a note. He wrote what remain, by far, the most difficult pieces of violin music of the world’s repertory. His very first opus number is comprised of his 24 Caprices for solo, the 24th of which, in a minor, is the most well known, having been transcribed for other instruments, and set to variations, by many great composers.
Paganini could, according to Mendelssohn, who went to several of his recitals, play this caprice on one string. A violin has four strings, and the performer is supposed to use any one of them to facilitate scale runs, octave leaps, etc. Otherwise, very long fingers, and extraordinary dexterity and accuracy are required. Paganini would walk out, take his bows, then ask a random lady in the front row to pick a string. He would then play the 24th Caprice, which was very popular, on that string. He could also play his Moto Perpetuo, or Perpetual Motion, on one string.
His influence on modern violin technique is more profound than any other such influence in music, save perhaps Liszt on the piano.
He boggled so many minds with his breathtaking wizardry, that, on his death, doctors dissected his hands and wrists to see if he had been born a freak: they expected to find more cartilage than usual, but actually found less, because he had played so much he had worn it down, just like a marathon runner’s knees. His fingers were quite long, but there had been no cheats or tricks of any kind. He was simply well practiced.

READ MORE - Top 10 Greatest Violinists of all Time

10 Grup Band Tertua di Indonesia

10. Panbers (1969)
Panjaitan Bersaudara atau lebih dikenal dengan nama Panbers berawal dari band bocah di tahun 1965.Pada tahun 1969 mereka mengikuti sang ayah yang berdinas ke Jakarta dan sepakat untuk serius di jalur musik walau sebelumnya mereka diwajibkan untuk menyelesaikan studi terlebih dahulu.
Pada tahun 1969 terbentuklah Panbers yang personilnya merupakan kakak-beradik kandung keluarga Panjaitan.Pada tahun 1971 produser Dick Tamimi yang merupakan bekas pilot merekrut mereka untuk bernaung di bawah perusahaan Dimita dan mengeluarkan salah satu album terbaik,Panbers Volume I:Kami Tjinta Perdamaian.
Beberapa lagu Panbers antara lain Gereja Tua, Cinta dan Permata, Kami Cinta Perdamaian, Indonesia My Lovely Country, Akhir Cinta, Jakarta City Sound, Haai, dan Terlambat Sudah.
Setelah ditinggalkan oleh kakak tertua,yaitu Hans Panjaitan (vokal,gitar) yang meninggal dunia pada tahun 1995 dikarenakan sakit,maka saat ini Panbers tidak hanya terdiri dari keluarga Panjaitan,akan tetapi dengan beberapa musikus lainnya.
Kelompok musik yang masih eksis ini sekarang terdiri dari Benny Panjaitan (vokal,gitar), Doan Panjaitan (vokal,kibor,bas), Asido Panjaitan (vokal,drum), Maxie Pandelaki (vokal,bas, kibor), Hans Noya (vokal,gitar) dan Hendry Lamiri (biola).

9. D'lloyd (1969)
D’Lloyd ini terdiri dari Bartje van Houten (gitar), Sjamsuddin (vokal), Chairul (drum), Totok (bas), Budi (kibor), dan Yuyun (saksofon/flute). Berdiri pada 1969, kemudian rekaman 1972, D’Lloyd (berasal dari kata Djakarta Llyod) tetap awet sampai sekarang.
Kumpulan D'LLoyd merupakan kumpulan yang terkenal di era 70-an hingga kini.Lagu-lagunya seperti Keagungan Tuhan, Tak Mungkin, Oh Di Mana, Karena Nenek, Semalam di Malaysia, Cinta Hampa dan Mengapa Harus Jumpa cukup mempesona serta meghiburkan.Kebanyakan lagu-lagu popular D'Lloyd dicipta oleh pemain bass guitar kumpulan itu, Bartje Van Houten (Barce).Vokalis utamanya, Syamsuar Hasyim (Sam).

8. The Rythm Kings (1967)
Rhythm Kings yang berdiri tahun 1967 dipimpin Darmawan Purba (gitar), kemudian pada saksofon Darma Purba, Raja Muda (keyboard), Darmawi Purba (bas), dan Yahya (drum).
Grup yang mengandalkan vokalnya pada trio Darma, Darmawan, dan Darmawi ini pada tahun 1972 sudah menghasilkan rekaman lagu-lagu pop, seperti Kasih Bersemi, Permohonanku, Kisah Asmara, Sepatah Kata, dan Permohonan Terakhir. Pada awal tahun 1970-an, lagu rock berlirik bahasa Indonesia baru ditemukan lewat rekaman grup Bandung, Giant Step. Sayang, rekaman ini bergeming di pasar sehingga grup rock lainnya hanya bersedia diproduksi sebuah perusahaan rekaman jika merekam lagu-lagu sweet atau pop. Rhythm Kings termasuk yang paling banyak menghasilkan album rekaman dibandingkan dengan dua saingan beratnya. Dalam usianya yang ke delapan pada tahun 1975, grup ini telah menghasilkan tujuh album termasuk satu album lagu Batak Karo.

7. Bimbo (1967)
Bimbo adalah sebuah grup musik Indonesia yang didirikan sekitar tahun 1967. Personil Bimbo terdiri atas Sam Bimbo, Acil Bimbo, Jaka Bimbo dan Iin Parlina.
Berawal dengan Trio Bimbo yang banyak dipengaruhi Musik Latin. Lalu merilis album perdana di label Fontana Singapura dengan Melati Dari Jayagiri karya Iwan Abdurachman. Di era tahun 70-an, Bimbo identik dengan lagu-lagu balada yang cenderung berpola minor dengan lirik-lirik puitis.
Dipertengahan 70-an, Bimbo yang lalu diperkuat oleh Iin Parlina dari Yanti Bersaudara mulai menjamah lagu-lagu dengan tema-tema keseharian seperti Abang Becak hingga lagu-lagu yang titelnya menggunakan serial anggota tubuh seperti Kumis, Tangan hingga Mata yang cenderung bernada humor. Memasuki era 80-an Bimbo mulai bermain dengan lagu-lagu dengan tema-tema kritik sosial seperti Antara Kabul dan Beirut atau Surat Untuk Reagan dan Brezhnev.
Pada tahun 2007, Bimbo merilis album baru yang antara lain menampilkan karya terbaru Taufiq Ismail yang berpola kritik sosial yaitu Jual Beli dan Hitam Putih.

6. AKA (1967)
Grup musik rock AKA (singkatan dari Apotik Kali Asin, apotik milik orang tua Ucok Harahap, tempat mereka bermarkas dan latihan) dibentuk di Surabaya pada 23 Mei 1967 dengan formasi awal: Ucok Harahap (keyboard/vokal utama), Syech Abidin (drum/vokal), Soenata Tanjung (guitar utama/vokal), dan Peter Wass (bass). Peter Wass digantikan oleh Lexy Rumagit karena cedera ketika granat yang disiapkan untuk aksi panggung grup rock Ogle Eyes di Lumajang tiba-tiba meledak dan melukainya. Sejak 1969, Lexy Rumagit digantikan oleh Arthur Kaunang (ayah dari Tessa Kaunang). Yang patut dicatat, semua pemain bass AKA adalah pemain kidal.
AKA — yang sering membawakan lagu-lagu Led Zeppelin, Grand Funk Railroad, Deep Purple, dan Jimi Hendrix, yang waktu itu memang digemari anak-anak muda — dikenal sebagai grup rock eksentrik. Dalam pertunjukan di Arena Terbuka Taman Ismail Marzuki, Jakarta, 9-10 November 1973, ketika AKA tengah membawakan lagu Crazy Joe, tiba-tiba Ucok melompat ke tembok dan naik ke genteng. Setelah itu, ia muncul di panggung dengan tiba-tiba sambil membiarkan dirinya dicambuki oleh algojo. Kakinya diikat, dan tubuhnya digantung. Kemudian ia ditusuk dengan pedang dan dimasukkan ke peti mati. Aksi ini mencekam penonton namun memperoleh sambutan meriah. Seusai aksi ini, Ucok terlihat kejang-kejang seperti kesurupan di belakang panggung. Situasi ini segera teratasi ketika Remy Silado yang menyaksikan atraksi gila ini menyiramkan seember air ke tubuh Ucok.
Tak hanya di panggung, AKA juga telah meluncurkan beberapa album. Pada album pertama mereka, Do What You Like (1970), terdapat lima lagu berbahasa Indonesia dan tiga lagu berbahasa Inggris (Do What You Like, I've Gotta Work It Out, dan Glenmore).

5. The Rollies (1967)
The Rollies diawali ketika Deddy Sutansyah bertemu dengan Iwan Krisnawan dan Teuku Zulian Iskandar Madian dari grup Delimars serta Delly Djoko Alipin dari grup Genta Istana. Deddy mengajak mereka bergabung dalam sebuah grup yang diberi nama Rollies pada bulan April 1967. Orangtua Deddy yang pengusaha hotel menjadi penyandang dana dan menyediakan semua peralatan musik yang diperlukan. Rollies mulai malang melintang di negeri sendiri dengan membawakan lagu-lagu The Beatles, Bee Gees, Hollies, Marbles, Beach Boys, Herman Hermits, juga lagu populer dari Tom Jones dan Englebert Humperdink.
Kelahiran Rollies diawali ketika Deddy bertemu dengan Iwan Krisnawan dan Tenku Zulian Iskandar dari grup Delimars serta Delly Djoko Alipin dari grup Genta Istana. Deddy mengajak mereka bergabung dalam sebuah grup yang diberi nama Rollies pada bulan April 1967. Orangtua Deddy yang pengusaha hotel menjadi penyandang dana dan menyediakan semua peralatan musik yang diperlukan. Rollies mulai malang melintang di negeri sendiri dengan membawakan lagu-lagu The Beatles, Bee Gees, Hollies, Marbles, Beach Boys, Herman Hermits, juga lagu populer dari Tom Jones dan Englebert Humperdink. Setelah itu baru mereka mengisi acara di kelab malam Singapura tahun 1969.
Ketika tampil di negeri jiran itu, personel Rollies sudah diperkuat Gito dan Benny Likumahuwa. Lagu yang mereka bawakan pun berkembang dan mulai mengandalkan alat musik tiup, masa trade-mark Rollies sebagai pembawa lagu-lagu James Brown BST (Blood Sweat and Tears) dan Chicago dimulai. Di sana mereka tidak hanya berkesempatan manggung.
Dari band inilah muncul nama Gito Rollies yang ikut meramaikan blantika musik Indonesia.

4. Band 4 Nada (1966)
Band Empat Nada adalah band pengiring kesohor yang banyak mengiringi artis dan kelompok yang bernaung dibawah perusahaan rekaman Remaco.
Dibentuk oleh Aloysius Riyanto atau A.Riyanto pada tahun 1966.Sebelumnya A.Riyanto sempat bergabung dalam Band Zaenal Combo yang dipimpin Zaenal Arifin.Merasa mampu untuk berdiri sendiri,akhirnya A.Riyanto (keyboards) yang juga dikenal sebagai komposer ini lalu mengajak M Sani (drum),Eddy (gitar) dan Nana (bas) membentuk Empat Nada.
Selain dipimpin A.Riyanto,tampuk komando kedua dalam Empat Nada adalah Hasanuddin,yang juga dikenal sebagai karyawan di Remaco yang dipimpin Eugene Timothy.
Empat Nadamemang banyak mengiringiartis artis tenar seperti Broery Marantika,Trio Bimbo,Tetty Kadi,Muchsin Alatas,Titiek Sandhora dan banyak lagi.Disamping itu Empat Nada juga sempat merilis beberapa album instrumentalia.
Beberapa pemusik yang sempat mendukung Empat Nada diantaranya adalah gitaris Jopie Item.
Pada tahun Oktober 1973,A.Riyanto mundur dari Empat Nada untuk membentukFavorite's Group bersama Is Haryanto (drum),Harry Toos (gitar),Tommy WS (bass) dan Mus Mulyadi (vokal).
Syafii Glimboh meneruskan kepimpinan A.Riyanto dalam Empat Nada.

3. The Mercys (1965)
The Mercy’s didirikan tahun 1965 di Medan dengan anggota awal Erwin Harahap, Rinto Harahap, Rizal Arsyad (Mantan suami Iis Sugianto), Reynold Panggabean (Mantan suami Camelia Malik) dan Iskandar dibawah pimpinan Rizal Arsyad. Tapi ketika ada undangan untuk show di Penang, Malaysia pada tahun yang sama Iskandar mengundurkan diri, karena kuliahnya di Fakultas Kedokteran tidak mengizinkannya untuk meninggalkan bangku kuliah. Posisinya lalu digantikan oleh Charles Hutagalung. Lengkapnya setelah itu pemain The Mercy’s adalah Erwin Harahap (Gitar Melody), Rinto Harahap (Gitar Bass), Rizal Arsyad (Gitar Rhythm), Reynold Panggabean (Drum) dan Charles Hutagalung (Keyboard, Organ).
Pada tahun 1972, The Mercy’s hijrah ke Jakarta dan masih tampil di beberapa kelab malam, membawakan lagu-lagu yang mereka ciptakan sendiri. Setelah di Jakarta, barulah Albert Sumlang (Saxophone) bergabung, kemudian The Mercy’s merekam album pertama mereka di REMACO dengan lagu-lagu TIADA LAGI (Charles H), HIDUPKU SUNYI (Charles.H), BAJU BARU (Charles.H), UNTUKMU (Charles.H), LOVE (Rinto.H), DI PANTAI (Charles.H), BEBASKANLAH (Charles.H), UNTUKKU(Charles.H), WOMEN (Rinto.H), KURELA DIKAU KASIH (Reynold.P), KISAH SEORANG PRAMURIA (Albert Sumlang). Album perdana inilah yang mengangkat nama The Mercy’s dengan lagu TIADA LAGI di blantika musik Indonesia.
Sejak itu The Mercy’s menjadi sebuah group yang menjadi idola masyarakat. Band ini sempat menjadi idola anak muda tahun 1970-an, dengan rambut gondrong, celana lebar diujungnya yang biasa “menyapu” jalan. Lagu TIADA LAGI menjadi Hit dimana-mana.
Ketika grup ini memutuskan untuk memasuki dunia rekaman, The Mercy’s pada saat itu dipimpin oleh Erwin Harahap, karena Rizal Arsyad harus meneruskan sekolahnya di Jerman. Tercatat sudah 30 Album yang dihasilkan The Mercy’s mulai dari album Pop, Keroncong dan Rohani.

2. Koes Bersaudara (1960)
Koes Bersaudara yang awalnya bernama Koes Brothers atau Brother of Koes berdiri pada 1960 diperkuat Tonny Koeswoyo, Nomo Koeswoyo, Yon Koeswoyo, dan Yok Koeswoyo. Sebuah grup musik yang melahirkan lagu lagu yang sangat populer seperti "Bis Sekolah", "Di Dalam Bui", "Telaga Sunyi". Satu anggota Koes Bersaudara, Nomo Koeswoyo keluar dan digantikan Murry sebagai drummer. Walaupun penggantian ini awalnya menimbulkan masalah dalam diri salah satu personalnya yakni Yok yang keberatan dengan orang luar. Nama Bersaudara seterusnya diganti dengan Plus, artinya plus orang luar: Murry.
Koes Plus adalah grup musik Indonesia yang dibentuk pada tahun 1969 sebagai kelanjutan dari grup Koes Bersaudara yang dibentuk pada tahun 1960. Grup musik yang terkenal pada dasawarsa 1970-an ini sering dianggap sebagai pelopor musik pop dan rock 'n roll di Indonesia. Sampai sekarang, grup musik ini kadang masih tampil di pentas musik membawakan lagu-lagu lama mereka, walaupun hanya tinggal dua anggotanya (Yon dan Murry) yang aktif.
Lagu-lagu mereka banyak dibawakan oleh pemusik lain dengan aransemen baru. Sebagai contoh, Lex's Trio membuat album yang khusus menyanyikan ulang lagu-lagu Koes Plus, Cintamu T'lah Berlalu yang dinyanyikan ulang oleh Chrisye, serta Manis dan Sayang yang dibawakan oleh Kahitna.

1. The Tielman Brothers (1945)
The Tielman Brothers adalah sebuah grup musik asal Indonesia. Musik mereka beraliran rock and roll, namun orang-orang di Belanda biasa menyebut musik mereka Indorock, sebuah perpaduan antara musik Indonesia dan Barat, dan memiliki akar di Keroncong. The Tielman Brothers merupakan band Belanda-Indonesia pertama yang berhasil masuk dunia internasional pada 1950-an. Mereka adalah salah satu perintis rock and roll di Belanda. Band ini cukup terkenal di Eropa, jauh sebelum The Beatles dan The Rolling Stones.
Perjalanan musik The Tielman Brothers dimulai di Surabaya pada tahun 1945, dimana empat kakak beradik laki-laki dan seorang adik perempuannya, Jane, sering tampil membawakan lagu-lagu dan tarian daerah. Kemampuan musik mereka diturunkan dari sang ayah, Herman Tielman, seorang kapten tentara KNIL, yang sering bermain musik bersama teman-temannya dirumahnya di Surabaya.
Berawal dari ketertarikan Ponthon untuk memainkan contrabass yang diikuti saudara-saudaranya yang lain. Reggy mempelajari banjo, Loulou mempelajari drum, dan Andy mempelajari gitar. Penampilan pertama mereka pada acara pesta di rumahnya membuat teman-teman ayahnya kagum dengan membawakan lagu-lagu sulit seperti Tiger Rag dan 12th Street Rag. Sejak saat itu mereka sering tampil di acara-acara pribadi di Surabaya. Tawaran tampil pun berdatangan dari berbagai daerah di Indonesia. Sampai pada akhirnya pada tahun 1957 mereka sekeluarga memutuskan untuk hijrah ke Belanda.


sumber:
http://www.kaskus.us/
http://mellowtone.multiply.com/
http://hurek.blogspot.com/
http://id.wikipedia.org/
http://korananakindonesia.wordpress.com/
http://kickandy.com/
http://www.musica-studios.co.id/
http://gatottriyono.multiply.com/
http://www.kompas.com/
http://indorock.pmouse.nl/
http://dennysak.multiply.com/
http://bureketo.blogspot.com/
http://en.wikipedia.org/
Masih terdapat banyak kekurangan dalam artikel ini, bilamana terdapat kesalahan dalam artikel ini mohon diralat, terima kasih.

READ MORE - 10 Grup Band Tertua di Indonesia

Sitar (alat musik khas india)

Pernahkah Anda mendengar alat musik khas dari India yang bernama Sitar? Alat musik yang merupakan perpaduan dari gitar dan biola ini sangat merdu didengar. Sitar merupakan keluarga alat musik kecapi yang dimainkan dengan cara dipetik. Bentuknya yang unik menjadikannya alat musik yang khas dan unik. Leher panjang dan tubuh berongga labu menghasilkan resonansi kaya dan harmoni. Sitar merupakan instrumen dominan yang digunakan dalam musik klasik Hindustan dan dimainkan sebagai iringan untuk tari di India. Sitar sebenarnya ada sejak tahun 1800an. Alat ini tadinya dibawa dari orang-orang Timur Tengah yang hijrah ke India. Alat musik ini digunakan untuk memainkan musik-musik tradisional klasik yang ada di India, biasanya Sitar dimainkan bersama alat musik lain seperti Tabla, Sarod, dan Tambura.

READ MORE - Sitar (alat musik khas india)

Sasando, Alat Musik Unik Rote yang Terlupakan

Alat musik Sasando by google.com

Jika harpa, piano, dan gitar plastis menjadi temuan paling bersejarah dan berarti dalam dunia musik, maka Sasando dari Pulau Rote layak mendapat penghargaan lebih. Alat musik tradisional masyarakat Rote ini telah ada sejak puluhan tahun lalu dan menghasilkan suara kombinasi dari tiga alat music, yaitu harpa, piano, dan gitar. Sasando bukan sekadar harpa, piano, atau gitar saja, tetapi gabungan tiga alat musik dalam satu ritme, melodi, dan bass. Jadi meskipun merupakan alat musik tradisional, universalitas Sasando berlaku menyeluruh.

Alat musik masyarakat Rote itu tergolong cordophone yang dimainkan dengan cara petik pada dawai yang terbuat dari kawat halus. Resonator Sasando terbuat dari daun lontar yang bentuknya mirip wadah penampung air berlekuk-lekuk. Susunan notasinya bukan beraturan seperti alat musik pada umumnya melainkan memiliki notasi yang tidak beraturan dan tidak terlihat karena terbungkus resonator.

READ MORE - Sasando, Alat Musik Unik Rote yang Terlupakan

biola dan saudaranya

Biola

Biola adalah sebuah alat musik dawai yang dimainkan dengan cara digesek. Biola memiliki empat senar (G-D-A-E) yang disetel berbeda satu sama lain dengan interval sempurna kelima. Nada yang paling rendah adalah G. Kertas musik untuk biola hampir selalu menggunakan atau ditulis pada kunci G.
Sebuah nama yang lazim dipakai untuk biola ialah fiddle, dan biola seringkali disebut fiddle jika digunakan untuk memainkan lagu-lagu tradisional.
Di dalam bahasa Indonesia, orang yang memainkan biola disebut pemain biola (pebiola), atau violinis (bahasa Inggris: Violinist - bedakan dengan violis atau pemain viola). Orang yang membuat atau membetulkan alat musik berdawai disebut luthier.

READ MORE - biola dan saudaranya

Siapakah penemu biola?

Biola merupakan salah satu keluarga alat musik gesek selain cello dan bass.

Diantara ketiganya, biola merupakan alat musik terkecil dan menghasilkan nada paling tinggi.

Biola digunakan secara luas dalam berbagai genre musik yang berbeda, termasuk musik rock and roll, punk pop, musik rakyat, dan tentu saja musik klasik.

Lantas siapakah penemu biola?

Sebelum biola, ada instrumen seperti biola yang disebut Violetta dan hanya memiliki tiga senar, bukan empat senar seperti biasa ditemukan pada biola modern.

READ MORE - Siapakah penemu biola?